Die neue Wiener Band Operation Silberfisch bespielt als nächste Konzertlocation am 30. April das rhiz am Wiener Gürtel. Die zwei Singles Nein und Wien aus 2024 sind vielversprechend. Und ein Konzertzusammenschnitt zeugt von weiteren großartigen Songs und vielfältigen Einflüssen dieser Gitarrenband, die gelegentlich auch das Saxophon nicht scheut.

Im Interview mit klangskizzerei berichten Operation Silberfisch, woher sie für ihre deutschsprachigen Lieder Inspiration schöpfen: „Aus dem Leben. Aus persönlichen Erlebnissen, aus Dingen die uns beschäftigen, aus allem was uns umgibt. Die Texte sind verdichtete Gedanken“

Nein ist ihre im No-Wave verwurzelte Debüt-Single samt humorvollem Video:

Die zweite Single Wien ist Operation Silberfischs sehr smiths-ige Hymne an die Heimatstadt. Sänger und Gitarrist Florian Drexler meint hierzu:

„Während der Pandemie haben die Regisseurin Sophie Bösker und ich den Episodenfilm „Wien 0815“ gemacht. Ich schrieb einen Teil der Musik dafür und eines der Lieder war Wien. Andi hat mit mir den Song dann aufgenommen. Und wie wir später dann schon die Band gegründet hatten, bekam der seine jetzige Form.“

Besonders der Song Wien atmet die Smiths und Johnny Marr mit dem Chorus-Effekt und den Intervall-Verschiebungen.

Gitarrist Andreas Lechners Spielstil ist aus verschiedensten Einflüssen gespeist, wie er im Interview erklärt:

„Ich krieg musikalisch immer „micro obsessions“ und zieh mir dann einen Artist oder ein Genre eine zeitlang voll rein. Das kann von den Smiths (v.a. Gitarrist Johnny Marr) über John Coltrane über Nina Simone bis zu japanischer Koto-Musik und kubanischem Son so ziemlich alles sein.“

Das Deutsche ist eine wunderschöne, schwunderschöne Sprache – die sich auch ohne Dialekt einfach gut anhören kann. Zusammen mit den vielfältigen Einflüssen sind Operation Silberfisch wohl eine Band, die Wien bislang gefehlt hat, und die man am 30. April live im rhiz erleben kann.

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(c) Ewa Podgorska

Mit der neuen Single Up vollzieht Dylan Goff nach zwei Indie-Folk EPs einen künstlerischen Wechsel.

Zum Einen hört man eine Sound-Erweiterung zu einem vollen Indie-Band-Sound. Der Song ist laut Dylan Goff von Frightened Rabbit, The National und The Pogues inspiriert. Zudem wird der Song von gelegentlichen Klavier-Tönen gefärbt und aufgelockert.

In der Bridge kommen Synthies hinzu, die ein bisschen 80er in den Independent Band-Vibe mischen.

In zweiter Hinsicht vollzieht die Single auch einen Wechsel vom Indie-Folk Songwriting zu einem Pop-Songwriting. Strophe und Refrain sind beide eingängig, ohrwurmig und melodiös direkt. „Get myself Up / Get myself Up“, singt Dylan Goff im positiven Chorus mit einem schönen Intervall-Sprung als Melodie-Hook.

Man singt mit und der Chorus nutzt sich nicht ab – auch nach vielen Wiederholungen.

Bei aller künstlerischen Weiterentwicklung ist diese Single immer noch klassisch und unverkennbar Dylan Goff in Text und Gesang. Dylan Goff schreibt sehr selbst-reflektierend. Durch den Zugang Dylans zu sich selbst finden auch andere Hörer Zugang zu dem Text, zu sich selbst und zu dem Song.

Insofern schnürt dieser Song nicht nur die Schuhe, sondern auch ein stimmiges Gesamtpaket.

klangskizzerei interview mit Dylan Goff

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Die Laundromat Chicks um Songschreiber Tobias Hammermüller aus Wien/St. Pölten sind eine der spannendsten englischsprachigen Indie-Bands aus Österreich. Sie spielen englischen Jangle Pop/Independent der 80er. Die damaligen Jangle-Bands wie z.B. Go Betweens, Pastels und die Smiths usw. waren die perfekte Rückzugsmusik und Regennachmittagsmusik. Umso schöner ist es, dass so ein Sound auch aus Österreich kommt, denn die Laundromat Chicks bringen den Jangle Pop und das Gefühl authentisch zum Klingen.

Auf den Singles zum neuen Album „Lightning Trails“ (Release 16. Juni/Siluh Records) wird der Sound der Laundromat Chicks weiterentwickelt, etwas Lo-Fi-Folk in die Klangrezeptur gemischt. Dadurch klingen die beiden Singles Let’s Do This und Florida Dream lockerer und luftiger.

„Lightning Trails“ von Laundromat Chicks erscheint am Freitag, den 16. Juni, auf Siluh Records

Stefan Westacott

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Er erklärt: „Das Album fungiert quasi als Zeitmaschine. Vom ersten bis zum letzten Song des Albums gilt: 2020er aus, 90er an. Wer mit Oasis, Travis, Blur oder Pulp aufgewachsen ist, wird es lieben und sich wieder jung fühlen.“

Die schillernden Akkorde die sich Noel Gallagher zu seinem Markenzeichen machte und jede Menge Text Referenzen zu den Helden des Britpops finden sich in seiner Musik. „Bittersweet Symphony“ und „Sonnet“ im Text von He’s the Man lassen grüßen. Aber auch instrumental entdeckt man mit jedem Hören Neues in den Songs und den vielfältigen Arrangements.

Außerdem vermitteln sie jede Menge gute Laune. Rupprecht meint: „Bei vielen entstand der Wunsch nach der Unbeschwertheit vergangener Tage. Freiheit, Unbeschwertheit, Leichtigkeit -dieses Gefühl wird in den Songs und der Coolness der 90er und früher 2000er transportiert. Und auch in den Liedern des neuen Albums.

Das Spannende ist zudem dass die Songs für beide Zielgruppen funktionieren: Die Songs bieten reichlich „indie“ und „britpop“ für Indie-Hörer. Aber sie sind auch poppig genug für den Mainstream – und das, ohne dass dabei der künstlerische Ausdruck aufgeopfert wird.

Ein träumerischer Rückblick der aber auch heutzutage hörenswert ist weil er wirklich gut gemacht ist – denn das wichtigste Element: das melodiöse, eingängige Songwriting, welches das Wieder-und-Wiederhören fördert; jenes haben Dance Like a Poet vor allem auf Here’s to the Lovers perfektioniert und stehen in diesem Punkt den Britpop-Größen der 90er kaum nach.

Mehr schillernde Britpop-Songs und Singer-/Songwriter-Pop Songs hört ihr im aktuellen Album „Like a Storm“ von Dance Like a Poet.

dance like a poet homepage

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Vienna based indie singer-songwriter and poet Dylan Goff released his beautifully poetic and moving indie-folk debut EP Untethered (side one) in 2021. In an in-depth e-mail interview with klangskizzerei he talks about influences, songwriting, the joy of listening to the final mix and gives us insight into what “Untethered (side two)” will sound like.

Klangskizzerei: You opened for Mark Peters and also played a set at the Badeschiff recently – How did it feel to be on stage again after such a long time?

Dylan Goff: I think if you do anything again for the first time after a break it can be slightly nerve-racking. I was certainly nervous being back on stage supporting Mark, but by the end of the set I felt a lot more comfortable. At the Badeschiff the crowd were super respectful and that made it a lot easier to get over the nerves, there’s definitely a mutual communication that happens when a crowd listens so intently. It’s an amazing feeling!

What was it in your lifetime that drew you to music and poetry?

I was always writing little poems and songs in my head as a child, it was just something I did. My mother encouraged me a lot to be creative and to explore creative outlets for my energy, but it was when I taught myself to play the guitar that I first felt I could say something for myself. I started writing songs about how I was feeling, maybe I just needed to find a way I could articulate things I didn’t know how to say or thought I wasn’t allowed to say. Songwriting gave me that.

How have music and poetry enriched your life?

As I get older, I see more and more that I express myself much better in writing than in speaking. I get nervous socially, and I’m quite shy despite getting better at hiding it. Writing songs and poetry gives me a way to communicate in my own time where I’m less afraid of being misunderstood. I have also learned a lot about myself from writing, there have been times when things that were bothering me suddenly made sense once I wrote them in a song.

Music has also led me to meet some absolutely amazing, warm, emotionally literate people in the songwriting community. There’s a real understanding that happens between songwriters.

How did it feel when you first heard the songs you wrote on your acoustic for Untethered (side 1) come alive with the instruments and full arrangements?

It was exciting! It was such a big ambition for me to release my own music, I’d wanted to do it ever since I was an 11-year-old kid learning to play the guitar in my bedroom. And here were songs that I’d written with a full sound and production. I remember the first time I heard the final mix of Romance at Russborough – I must have played it 10 times on repeat because I was so excited about the way it sounded!

Making the record really showed me the value of working with other people, and how much other people’s ideas can bring to my music. I think it was important to learn that, it takes a lot of pressure off to realise that there’s always at least some degree of collaboration.

As Untethered (side 1) was your debut EP – what was your expectation of making a record like and how did it compare to the reality of making one?

I needed to treat it like a beginning – I had only recorded a couple of demos in a studio before the EP. So I tried to keep my expectations realistic and allow it to be a starting point to develop from. I think it’s easy to become overwhelmed and put yourself under too much pressure to try to get everything 100% correct with a first record. I wanted to avoid that, because the important thing is that listeners to get something from the songs.

But I’m really happy with how it turned out, and I think I learned a lot about what is important to me in making a record, and also about what is involved in the process of recording and mixing a collection of songs.

Did you try to shelter yourself from influences while writing and recording the EP or did you actively listen closer to certain records?

I didn’t try to control it either way really. Music is part of my life and I listen to it all the time. For me, if influences creep in subconsciously that is perfectly natural and is part of the evolutionary process of how music develops. There were definitely songs that reminded me of some of the music I listen to, but I didn’t intentionally set out to sound like them.

The melodies and delivery in Snake Oil are reminiscent of The National for example – in a pretty good way though – was that a conscious influence?

That’s really interesting! I am a big fan of The National and they undoubtedly influence my style a lot. But at the time I wrote Snake Oil I was listening to a lot of Phoebe Bridgers and Better Oblivion Community Center. I loved how the vocal dynamics worked on the Better Oblivion record so when I realised that dynamic was going to suit Snake Oil I asked Amelie Tobien if she would sing it with me.

How does it feel when you hear your own words in Snake Oil and Sycamores sung back to you in the duets?

Amelie is such a good singer that she could even sing a restaurant menu and it would still sound good! The parts she sings on are my favourite parts of the EP. It’s very satisfying to hear those parts because I wrote the lyrics with her voice and vocal delivery in mind, and I think it came together really well. And she gives the lyrics such a new tone and a new perspective that they feel like her lyrics to me now, rather than mine.

How does it compare to the feeling you get when you’re singing those songs on your own?

I rarely play Snake Oil solo, it just feels too weird to do it alone! Sycamores originally didn’t have Amelie’s part in it, but it now feels like the song is incomplete when I perform it alone.

How has your songwriting changed over the years musically and lyrically?

It’s mellowed out a lot more I think, I used to try to make it sound as dramatic as possible but as I’ve got older, I’ve grown to love keeping things understated both lyrically and musically. I’m definitely more patient with writing. One of the ways I think I’ve developed is that I no longer consider a song finished. There comes a point where creatively you have to move on, but there’s always something you can change and improve. Certainly the point where I feel a song is ready to be performed in front of another person happens a lot later now than it used to. I think this is reflected in my lyrics especially, I work for a much longer time on lyrics now than when I was younger.

What inspires your songs nowadays (also the brand new ones)?

Different things. There are common threads that happen in my songs I guess. Like questions about trying to figure out who we are, if we are good enough. I confront my mental health a lot through my music, it’s important to me that I don’t shy away from that because those demons have much more power in the dark. As I approach 40, I’ve been writing more and more songs that start to explore the idea of what it means to be a good man, and how to try to unlearn the damaging bullshit we learn as boys about what way we should be, about what “masculine” means. There have been a few songs about that lately!

Do you often start with the lyrics in your songwriting process, as they seem really important to you?

Actually no, I normally start with the tune and try to develop the aesthetic of the song to figure out what it is making me feel. I’ll sing nonsense words to figure how many syllables I have to work with, and this is probably the most important part of the process, because it is here that I can see where in the song the lines land that will have a higher impact on the listener. I find a starting point for the lyrics from somewhere in my subconscious and write a first draft which gets edited and edited until I feel I’ve communicated everything I want to communicate in the best way possible. So it’s a matter of writing from the heart and then crafting the song using my head.

What time of day and where do you write your best songs?

I’m a morning person in general. I think for song structure mid-morning is the best time, especially at home by myself. My best lyrics come when I’m doing a monotonous task that I don’t need to think about and I can drift into the song in my head. That can happen at any time of the day I guess.

Who are your favourite poets or lyricists?

I’m a massive Frightened Rabbit fan. What I love about Scott Hutchison’s lyric writing is that he was brutally honest about how he felt, especially the more introspective lyrics. There’s a power in being that honest. Julien Baker has that too. Shane McGowan is also a massive influence for me, the way he can create imagery is genius. And of course Leonard Cohen. Poetry-wise I love Mary Oliver. She had a stunning way of using nature to describe feelings. And I adore James Joyce, especially the book Ulysses. That man knew how to play with words!

What do/did you want to try or approach differently in the songwriting, recording and production of Untethered (side 2) compared to your approach on Untethered (side 1)?

The songs on untethered (side two) are just as old as the ones on the first EP, so the writing hasn’t changed as such. Both EPs document the songs I’ve been playing live for the last few years. In terms of sound and production,  I want Untethered (side two) to move a bit away from folk and more towards indie. I have a big fear as a musician and a person about being defined by being Irish. I mean, I AM Irish and I don’t try to hide my accent when I sing. It’s part of me and I’m proud to be Irish. But I don’t want it to be the defining character of my music. I feel I have much more to offer than that. So this record will have much more of an indie feel, it will be more like the music I love listening to. I can’t wait for people to hear it!

Thank you for the interview!

 Dylan Goff on facebook

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Stefan Westacott

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(c) Xavier Pavlowski

Fiesta Forever sind Alexander Huber, Johi Loss, Max Hofer und Daniel Burtscher kommen aus Vorarlberg und Oberösterreich und servieren mit ihrer neuen Single In Vain melodiösen, melancholischen Indie vom Feinsten. Auf ihrer dritten Single In Vain liefern Fiesta Forever melancholische Melodien, in die man sich fallen lassen kann, in die man eintauchen kann, in denen man sich treiben lassen kann. Inkludiert ist auch ein Gitarrensolo unterfüttert von einem Reggae/Rocksteady Feeling.

Fiesta Forever sind eine der österreichischen Indie-Revival Bands, die sich durch gelungene Produktion dem 00er Indie-Sound entziehen, sich ins Heute hieven und dadurch modern klingen. Peter Mansson, der das Mischen übernahm, katapultiert den Sound Fiesta Forevers mit der richtigen Mischung aus Dreck und Hochglanz und unglaublichem Raum und Druck ins Jahr 2022.

So entsteht im Gesamten ein guter Song mit dieser speziellen Art von Indie-Melancholie für nebelverhangene Nachmittage – ein Gefühl das Julian Casablancas schon hard to explain fand. Und ein melancholischer Song, der einen Kontrast zu den fröhlicheren Indie-Festen der bisher veröffentlichen Singles Fiesta Forevers bietet und damit als dritte Single wohl passend und gut gewählt ist.

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Stefan Westacott

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Grant sind: Dima Braune (Gesang), Stefan Kovacic (git.), Stephan Weissensteiner (git.) Alexander Peirl (bass) und Manuel Höller (schlagzeug). Grants Sound ist auch auf ihrem dritten Album „Größenwahn“ stilistisch breitgefächerter als der einer gewöhnlichen Indie-Band: Grant bringen auf ihrem neuen Album Jazziges, Proggiges, Funkiges, Ska und die 80er sowie einen wortpräzisen, belesenen Lyriker-Geist unter einen – auch im Torkeln gut sitzenden – Libertines-Hut.

Schon bisher gab es Funk, Jazz und Prog im Grant Sound zu hören, das setzt sich in vielen Liedern fort – z.B. in Donauauen, das funkige Bässe mit jazzigen Gitarren-Läufen kreuzt. Auch in Ich bin Ibiza funk-tioniert der Funk. In Galaxien beamt sich die strahlige Robert Fripp’sche Prog-Gitarre ins Weltall.

Auch die Indie-Einflüsse sind wieder vertreten: diesmal Foals-Gitarren in Müde. Das Strokes-typische Schlagzeug in Epithemeus. Und die ewige Inspiration The Libertines. In den Strophen von Galaxien duellieren sich die Gitarren hoch-tief ähnlich wie im Libs-Song Campaign of Hate. Aber schon der Opener Kaffeeeck ist eine Offenbarung für Fans der grandiosen Libertines B-Side Dilly Boys, worauf der Grant-Sound „fußt“, könnte man sagen, falls er gerade auf geraden Füßen steht. Die Instrumente spielen befreit auf, wissend, dass sie falls sie fallen sollten, sich gegenseitig wieder aufhelfen, um gemeinsam die Welteroberung zu vollziehen. Oder haben Grant mit dem Kaffeeeck nicht eh schon die Welt erobert?

Neu im Grant-Sound

Ganz neu im Grant-Sound ist der Ska in Keine Zeit und Tschick. Sowie die 80er Jahre im Song Wann kommst du heim mit dem dekade-prägenden leicht wässrigen Chorus-Effekt. Und im ergreifenden Closer 3H+1e wird man vom Feeling gar ins Lied Jeanny entführt und wie im Falco-Lied durch eine längere Akkordfolge auf eine emotionale Reise genommen. Die spirituelle Verbindung von Wort und Melodie machen dieses Lied für den Hörer zu einem emotionalen Glaubens-Tempel.

Der eigene Band-Sound von Grant ergibt sich durch ein Zusammenmusizieren von musikalisch aufgeschlossenen Musikern mit unterschiedlichen Genre-Präferenzen wie z.B. dem Jazz, und dem Ineinandergreifen ihrer Instrumentenparts, die sich zum Ganzen ergänzen, sodass sich ein Sound ergibt, der knapp vorm Auseinanderfallen ist, aber durch die unverwüstliche musikalische Vision der fünf Musiker zusammengehalten wird. Die jeweiligen Grundgenres der Lieder seien es Indie, Funk oder auch Ska werden durch den Jazzgitarreneinfluss neu gefärbt. Grant waren nie eine direkte Band, was Stärke und für manche Hörer zugleich auch Schwäche war. Doch am Album „Größenwahn“ klingt ihre Indirektheit zielbewusst und ausformuliert.

Dichterische Texte aus dem Indie-Hut

Neben dem stilistisch breitgefächerten Sound werden dichterische Texte aus dem Indie-Hut gezaubert, welche über der Musik schweben und Grant von anderen Bands abheben. Dima Braune zündet ein Literaturzitate-Feuerwerk. Auf Größenwahn werden jedoch auch Alltagsthemen wie in Tschick und Keine Zeit und Politisches wie in Ich bin Ibiza eingestreut. Und auch am neuen Album gibt es wieder Libertines-Text-Referenzen, der schönste Doherty-Verweis eindeutig die Textzeile: „Arbeit macht high“.

Grant als „Gitarrenband“

Die Produktion ist es, die das Album zu einem echten „Gitarrenalbum“ und Grant als „Gitarrenband“ zementiert. Seit dem letzten Album „Unter dem Milchwald“ 2017 hat man sich länger Zeit gelassen; das Resultat ist eine Ausgereiftheit, die man dem Album anhört: Die Gitarren klingen saftig wie selten. Hier und da hört man auch Synthesizer, die den Liedern in proggiger Manier Tiefe geben und sie sphärisch ausklingen lassen.

„Größenwahn“ ist Grants ambitioniertestes und ausgereiftestes Werk. „Größenwahn“ ist eine Reise, nimmt Wendungen in den Liedern und Texten, bietet Literatur-Referenzen, emotionale Auf und Abs, die im Closer 3He+1e gipfeln – und ist am Ende eine jener wendungsreichen, eindrucksvollen Reisen von denen man anderen österreichischen Indie-Hörern gerne ausufernd erzählt.

[Änderung 01/01/2022: ganzer vorletzter Absatz herausgenommen, weil unausgereift]

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Stefan Westacott

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Das Duo Jolphin sind Oliver Spitzer an der Gitarre, der – anders als im Drei-Mann live setting – in den EP Credits auch für den Bass verantwortlich zeichnet, und Philipp Hackl am Schlagzeug. Jolphin eröffnen die EP mit dem Hit My Dear in dem bombastische Refrains aus den Verstärkern schallen. Der Song bringt alles zusammen was eine Hit-Single braucht. Ein Mando Diao ähnlicher Song im Post-Fernseh-Zeitalter.

Der zweite Song Talking Flies geht bereits in den Strophen aufs Ganze: Ein Garagen-Rock Song mit einem punkigen Gitarrentrick, der auch Hives-ähnlich ist. Instrumentale Fliegengeräusche sind zu hören und auch lärmendes Feedback und ein Gitarrensolo das im Punk verwurzelt ist.

Der dritte Song Sugar Shock Treatment ist ein hypnotisierendes und bannendes Songwriting-Juwel. Ein Song, der Melodiösität und schlagkräftige Indie-Gitarrenbreitseiten verbindet. Ein Song, der in seinen Akkordpfaden immer wieder eingängig harmonisch nach Hause führt – direkt in die Ohren und Herzen der Indie-Hörer. Dadurch, dass das bei der Aufnahme nicht jeder Akkord streng am Clicktrack hängt, wohnt dem Song eine Dringlichkeit und Ruhe zugleich inne: ein sorgloses Freiheitsgefühl, keinerlei Konventionen entsprechen zu müssen – und das spürt der Hörer. Der emotionale Gesang erinnert zudem an US- 90er Independent. Jolphin haben nicht nur britische, sondern auch amerikanische Einflüsse, und wer aufmerksam zuhört, hört die Velvet Underground I’m Waiting for the Man-Schlagzeugarbeit in dem Song erklingen.

Die zwei letzten Tracks der EP haben keine Hit-Single Qualitäten, sondern fahren die EP nostalgisch nach Hause. Long Long Trip ist stimmungsvoll mal langsam, mal beschleunigt wie eine längere Reise heimwärts und perfekt als vorletzter Track der EP platziert, sinnierend bis der letzte Herzschlag des Schlagzeugs verebbt. Pirate Bay ist eine schwelgerische Preziose mit leichten Smiths-Anklängen, singt gedankenversunken von den Ozeanen der Welt – ein passendes Schluss-Stück.

Jolphin singen auf Englisch. Das Englische gepaart mit lauten E-Gitarren – die Sprache des Rock n Roll – ist eben universell. Jeder der sie in seiner Adoleszenz vernimmt, münzt seine Euros in Gitarren um, und übt beflissen bis der anfängliche Lärm zu Schönklang wird – um den Schönklang dann wieder bewusst und gekonnt zu verlärmen. Neben dem zweifellosen Songwriting Talent ist es vor allem die gelungene Produktion, die der EP 2021 Aktualität verleiht, den totgesagten Indie lärmend aus dem Schlaf reißt, ihm einen Kinnhaken verpasst: „A punch up the bracket“ wie es die Libertines nennen würden.

Trotz der Tatsache, dass die Musik in den 00er Jahren verwurzelt ist, entzieht sie sich dem schon damals vielkopierten 00er Indie-Sound und klingt aktuell und relevant. Das tut sie durch vielseitige Ansätze an den Instrumenten. Und das tut sie vor allem auch durch die rockige Produktion – also ohne den Sound wie die Libertines am Comeback-Album glattzubügeln.

Denn wer meint, dass in heutigen Musikproduktionen wie dem aktuellen bzw. eigentlich eh schon 6 Jahre zurückliegenden Libertines-Album zu wenig rock, lärm und krachige Produktion steckte, sollte Jolphins Sugar Shock Therapy EP sein Gehör schenken.

Update (20.11.): ein Satz am Ende des sugar shock treatment absatz eingefügt

Jolphin auf facebook

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Anders als im von Beginn an fast durchgängig kraftvoll nach vorne preschenden Talking Flies hat die neue Single My Dear von Jolphin einen single-typischeren Songaufbau und Jolphin kanalisieren ihre gesamte Energie in single-typische große und eingängige Refrains.

Das Mando Diao’sche Singen über den Fernseher wie in deren Song TV & Me sitzt, die Frisur von Mando Diao Leadgitarrist und Co-Sänger Gustav Norén sitzt, die Gustav Norén Gitarre sitzt, die Gustav Norén Stimm-Ähnlichkeit sitzt.

Laute Gitarren und ein vorwärts peitschender Schlagzeugbeat über den gesamten Refrain räumen alles aus dem Weg. Ähnlich wie bei Mando Diao ist es eigentlich komplett egal was für ein Text gesungen wird, weil er in dem Wissen, der Seele und mit der Einstellung gesungen wird von Schweden – oder eben von Österreich – Europa erobern zu wollen. Und man singt begeistert den wirklich humorvollen Text mit. Und es tut überraschenderweise mittlerweile auch ganz gut, mal wieder auf gute, englisch singende Bands in Österreich zu stoßen. Der Song braucht sich eigentlich auch vor Mando Diao in früheren Tagen nicht zu verstecken.

Stefan Westacott

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Die Musik der Nullerjahre scheint in Österreich wieder in Mode zu kommen: At Pavillon, Siamese Elephants, Napoleon Hairfashion und nun auch Jolphin bringen das Jahrzehnt und seinen Indie und Garagen-Rock-Revival Sound derzeit in moderner Form zurück.

Talking Flies des Gitarre/Schlagzeug-Duos Jolphin ist ein Garagen-Rock Song mit einem punkigen Gitarrentrick, der auch Hives-ähnlich ist. Weiters sind auf der Aufnahme ein Bass zu hören sowie mehrere Gitarrenspuren und instrumentale Fliegengeräusche. Auch ein lärmendes Feedback und Gitarrensolo ein bisschen im Stil der Libertines ist vertreten.

Holte die Debüt-Single Sugar Shock Treatment den Hörer auf einer emotionalen Ebene ab – so setzen Jolphin mit Talking Flies auf Wut und Energie. Deshalb ist Talking Flies als zweite Single gut gewählt und macht Sinn, da der Song andere Qualitäten hat.

Jolphin setzen anders als in Sugar Shock Treatment weniger auf Melodiosität im Songwriting. Der Refrain-Teil wird druckvoll, schnell, kurz und laut gehalten – gleich wie Jolphin wohl mit Eintagsfliegen kurzen Prozess machen. Die Band setzt verständlicherweise nicht auf einen langen, emotionalen und melodiösen Refrain. Es sind eher die Strophen und das Outro, die die Melodie-hooks aufweisen.

Jolphin texten in der Fremdsprache, profilieren sich nicht mit kreativen deutschen Texten, sondern verwenden das Englische dazu ihre Rock’n’Roll Haltung zu untermauern.

Die Produktion ist der eigentliche Star des Songs und hält ihn davon ab veraltet oder beliebig zu klingen. Sie hält auch das Gitarrenriff davon ab generisch zu klingen. So dient die Single als ein weiterer Beweis, dass Jolphin den Indie-Rock sehr fetzig und druckvoll einfangen können. Das verhilft dem Sound des in den Nullerjahre totgespielten und vielkopierten Indie und Garagen-Rock im Jahr 2021 zu Aktualität und Relevanz.

Vor allem aufgrund der rockigen Produktion sollte man für die weiteren Songs der „Sugar Shock Therapy EP“, die im Herbst kommen, als 00er-Jahre Indie Fan die Ohren offen halten.

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Stefan Westacott

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„Still“ ist hier kaum etwas. Stille Lost lebt in, von und durch seine Unmittelbarkeit. Auch die Spielfreude wurde auf der Platte spürbar eingefangen. Die Ideen klingen wie aus dem Moment, dem Impuls und dem Jammen geboren. Die Stille geht für dreizehn Minuten verloren und weicht einem wohlig-wattigen Gitarren-Lärm.

Warum die Stille Lost EP als Ganzes funktioniert

Dass diese 5-Song-EP als Ganzes so gut funktioniert, liegt zum Einen an der Vielfalt der Gitarrensounds: das absteigende Surf-Intro und die Surf-Sounds in Surf Vampir; der schwebende Gitarrensound in Schwerelos; die herrlichsten Fuzz-Sounds in Schwerelos und Candy, die live wohl einfach famos klingen müssen; das offen und klar perlende, und damit in White Stripes Manier einen ruhig-melodiösen Kontrast  bildende, Candy. Das tiefenschillernde Am Fluss.

Zum anderen liegt es an den Dynamiken. Am wirkmächtigsten sind sie in Schwerelos und im Gitarre-und-Schlagzeug crescendo gegen Ende von Am Fluss. Ein Schlagzeug-Intro leitet Candy ein. Und ein peitschender 00er-Indie-typischer Schlagzeug Beat im Stile der Libertines, Sugarplum Fairy oder Jack Peñate unterfüttert den Song Zu Zweit.

Die Texte fallen positiv auf, da sie weit voneinander entfernte Assoziationen und kontrastierende Bilder kollidieren lassen, Schönes und Grässliches, als besonders poetisch sticht Am Fluss heraus.

Die Lieder auf Stille Lost sind rasant, alle maximal drei Minuten lang, lassen den Hörer in der Stille nach dem Sturm verloren weilen und fördern so das Verlangen nach weiteren Hörgängen. So wird in Surf Vampir der letzte und vom Hörer erwartete Refrain schlicht unter hohem Gelächter – welches eine Anspielung auf den Song „Wipe Out“ der Surfaris ist, der davor auch textlich zitiert wird – vorzeitig abgebrochen. Genau das lässt den Hörer mehr wollen. Aus diesem Grund ist man mit dieser EP oft länger als die 13 Minuten beschäftigt, da man den Repeat-Knopf drückt – ein Entschluss, den man immer wieder gerne fuzzt!

[Hinweis: Einleitung am 18.07.2021 13:34 geändert, da die EP in den Studio Solaris aufgenommen wurde]

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Stefan Westacott

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Am Puls der Zeit, das Lebensgefühl Wiens atmend und Rückschau in die Vergangenheit haltend: das ist die Musik von „Picobello“, einer deutschsprachigen Gitarren-Pop Band mit Indie, New Wave und 60er Einflüssen aus Wien, die es seit März 2019 gibt. Patrick Tilg (Gesang, Gitarre), Simon Mühlegger (bass), Max Marberger (synthesizer) und Simon Schenk-Mair (Schlagzeug) sind Picobello. Sie legten im Oktober 2020 ihren Erstling „Was Wir sind“ – eine sechs Lieder starke Singles-Collection aus dem ersten Jahr Picobello vor.

Die Inspiration für ihren Sound auf „Was Wir sind“ liegt großteils im New Wave der späten 70er bei Bands wie Blondie: die leicht kühlige Gitarre, das flächige Keyboard bzw. in Picobellos Fall der Synthesizer – und das tanzbare Schlagzeug. Es entsteht im Gesamten, auch durch den manchmal ravigen Synthesizer und pulsierenden Bass, ein sehr lebendiger Sound.

Durch ihr geschicktes Songwriting gelingt es Picobello – im Hochdeutschen – eingängige Lieder zu kreiieren, was in der silbenreichen hochdeutschen Sprache schwerer ist, als im Dialekt oder im Englischen. Neben den Gesangsmelodien sind es aber auch die Gitarrenriffs in Eng mich ein und Mädchen aus der U-Bahn, die ebenso eingängig sind.

Gegensätze, die in der Musik Picobellos vereint werden

Wichtig für Picobellos Musik sind Gegensätze: Der Opener Heiß spielt mit Gegensätzen im Temperaturempfinden: Textlich von der Hitze erzählend, die Instrumente nahe an der Abkühlung. Die Gitarre besucht die Surf-Schule an der Alten Donau.

Auch Sicherheit lebt vom Gegensatz zwischen plakativ gepredigtem Sicherheitsgefühl im Text, und der aufwühlenden musikalischen Begleitung vom Sechzehntel-Schlagzeug und der – im Indie/New Wave-Kontext – funkigen Gitarre, die sich Picobello von Franz Ferdinand oder den Talking Heads leihen.

Das Prunkstück des Albums Ende vom Anfang ist geprägt vom Gegensatz „modern / retro“. Es vereint Smartphone-Einspielungen sowie die im Stile der 60er simplen Akkordfolgen und den – zeitlich zwischen Moderne und den 60er-Jahren liegenden – Synthesizer.

Dadurch dass der Synthesizer dick aufgetragen und fast streicher-fähig wird, schwelgt man im Gesamteindruck in leichten Anklängen an die Streicher-Einlagen der 60er.

Ein modernes Album

Durch die Beschränkung auf 6 Lieder – den Release als Singles-Collection und Debütplatte gleichzeitig – ist eine Hitdichte vorprogrammiert und macht es zu einem fast fehlerlosen Vergnügen. Das Schöne an Picobellos Musik ist, dass in den zackigen, tanzbaren New Wave-Liedern wie Heiß oder Mädchen aus der U-Bahn immer auch eine Melancholie liegt, die den Liedern eine emotionale Tiefe gibt. Musikalisch liegen die stärksten Momente der Platte im unwiderstehlichen Songwriting und Gitarrenriff von Mädchen aus der U-Bahn und dem Indie-Schunkler Ende vom Anfang.

Die Integration der vielen Sound-Schnipsel von Christa Kummer und Politikern auf „Was wir sind“ zeigt, dass es ein Album ist, das modern sein will. Das zeigen auch die Picobellos Texte, die präzise und gesellschaftskritisch im Kommentieren des status quo sind. Trotz der Tatsache, dass im musikalischen Handwerk hitsicher und makellos exekutiert wird, lässt sich aber leider auch einwenden, dass es ein Album ist, dass ein wenig zu sehr und verkrampft versucht modern zu sein, was dann auch etwas unnatürlich wirken kann und man dem Album anmerkt.

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Feber Wolle Label/

Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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Moll. Musik. Was simpel klingt entwickelt ungeahnten Tiefgang. War Lukas Meschiks ehemalige Indie-Band „Filou“ rockiger so ist bei seinem neuen Solo-Projekt Moll dessen Album auf Problembär Records releast wurde, die Akustikgitarre prominenter. Alle Lieder von Meschik geschrieben plus eine drei-köpfige Backing Band im Rücken. Lind und labend ist die Akustikgitarre, wohldosiert spielt die Backingband im Dienste des Lieds.

Die Backing-Band (Sebastian Kierner, Max Janos Payer, Simon Schenk-Mair) lässt Country einfließen (Ich lieb dich ja, ich halt dich nur nicht aus) wo der Bass nicht mit Quantensprüngen aber doch mit Quintensprüngen agiert. Und Funk-Anleihen in Dobra Bay. Die Band spielt über die Albumlänge sehr bildgebend: Ein rückwärts abgespielter Gitarrenpart, wie das verkaterte Zurückerinnern (Der Kater nach dem Sieg). Ein trotzend unlagerfeuriges – weil elektrisches und noch vom Tag sonnenöliges – Gitarrensolo (Lagerfeuerlied). Hier und da backing vocals, meist aber spielt die Band instrumental und überlegt in die Gesangspausen, bevor sie wieder hinter die Wörter rückt.

Die Texte

Der literarische Einfluss in den Texten lässt sich nicht leugnen: Viele deskriptive Adjektive, aber nicht im negativen Sinn. Charaktere werden erschaffen und durch tragikomische Drei-Minuten Plots moonwalken, stolpern und fallen geschickt. Meschiks lyrisches Stilmittel, das sich durch das ganze Album zieht, ist das beiläufige Fallenlassen von selbstironischen Gegenüberstellungen. Gegenüberstellungen mit Augenzwinkern. „Du warst mir viel zu ehrlich / ich dir viel zu schwach“. Und wenn er singt – vom „Held der Übergangenen“ oder „Schutzpatron der Übersehenen“ – lächelt jedes Ohr.

Die Melodien werden durch Meschiks reifere, ausgeprägtere Stimme besser denn je ausgedrückt. Sie passt besser zu den Akustiksongs als es die junge filou Stimme getan hätte. Sie adelt die Schätze des Lebens in ihrer Reichhaltigkeit – vom kastanientragenden Herbstblatt bis zur tröstlichen Donau.

In jenem im 6/8 Takt donauwalzernden Donau so lau dichtet Meschik selbstreflexiv über die Dekaden. Er schöpft dabei aus den Tiefen der Donau und öffnet seine Wortschatztruhe. Wörter wie „dunkelmunkelnd“ oder „auumdöst“ entnimmt er seiner Truhe und präsentiert sie stolz wie ein – nicht abwertend gemeint – erwachsengewordener Filougebliebener.

Literatur-Referenzen und Songwriting-Stil

Literatur-Referenzen gibt es im Lied Die verlorene Zeit nach der Suche nach einem Roman Marcel Prousts. In Was wir uns trauen mit Einbindung Don Juans. Und in Donau so lau wenn Meschik  „die Leute lustwandeln am Frühabendufer“ singt. Vielleicht ein verstecktes Hölderlin Zitat aus dem Roman „Hyperion“, wenngleich hier „das Volk“ zu „die Leute“ modernisiert wird. Oder einfach altdichterische Sprache. Allerdings ist ersteres wahrscheinlicher, da im Filou Lied Nach Zehn eine Liedzeile ebenfalls sichtlich von selbigem Roman inspiriert ist – von der Romanpassage: „Handwerker siehst du, aber keine Menschen. Denker, aber keine Menschen. Priester, aber keine Menschen“.

Viele Songwriter schaffen ihren Alben auch durch einen speziellen Songwriting Stil ihre besondere Nische. Meschik hier durch den eigenen, konsequent durchgezogenen Ansatz der Zurückgelehntheit und Einfachheit im Songwriting. Mehr Zeit zwischen den Akkordwechseln, kein Überhasten der Gesangsmelodie und keine Wendungen in der Songstruktur, sind hier das Motto. Einfache Melodien, auf das nötigste reduziert, ohne präpotent simple Gassenhauer-Melodien zu sein. Melodien, die keine Aufdringlichkeit und Eile zeigen auf ihrem Weg ins Ohr zu wandern, geduldig am Trommelfell anklopfen, und es sich dann im Gehörgang dauerhaft gemütlich machen.

Was entsteht ist Musik die wächst, die man nicht mehr mit den Ohren hört, sondern mit dem Herzen. Auf Musik finden sich viele Gründe warum man Musik hört. Bei Moll: Das Verbindende zwischen Erschaffer und Hörer – nicht im Lauten, Kollektiven, Rockkonzertigen, sondern im Leisen, Persönlichen und Tunnelgrabenden. „Musik“ ist eines der berührendsten Alben heuer.

Einmal gehört würde man das beste Lied Donau so lau dem Album nie wieder nehmen wollen. Aber auch ein anderes Lied herauszuklauben würde diesem Album seinen wundervollen Fluss nehmen. „Diese Stadt am Fluss – wieso nicht am Meer / das ist doch viel schöner, das gibt doch mehr her“ hieß es 2011 wohl donauverdrossen im Filou-Lied Stadt am Fluss.

„Mehr Weg als Ziel, Donau so viel“, resümiert Meschik fast eine Dekade später donaubejahend in Donau so lau. Das Ziel des gelungenen Solo-Projekt-Starts hat er mehr als erreicht. Denn ob Fluss oder Meer – wir dürfen uns freuen auf mehr fließende Musik mit Tiefgang von Moll.

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Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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Eine Woge aus mächtigen Gitarren, wirbelndem Cello und hellklingenden Schlagzeugbecken schallt und wallt sich zu riesenhafter Größe auf, Stephan Stanzel singt mit typisch bedeutender Miene seine Worte von Träumen, gewichtigen Sternen, Spiegeln und schweren Herzen ins Mikrofon – und das Konzert von A Life, A Song, A Cigarette im Fluc am Samstagabend ist eingeläutet.

Es ist der Song All that Glitters is not Gold vom gleichnamigen aktuellen Album. Was ihre Songs, die zwischen Indie, Alt. Country, Pop, Folk schwanken, eint: Sie sind Momentaufnahmen im flackernden Feuerzeugschein, wie im blauen Dunstnebel. Melodiegewordene Glanzlichter und Widrigkeiten des Lebens – ersonnen im verschatteten Simmering.

In All that Glitters is not Gold sind live die Gitarren präsenter und vor allem klarer als in der Studioversion, der Song weniger von Cello und Shoegaze-Schichten dominiert. Der in ätherische Sphären entschwebende Refrain dadurch ein kleinwenig geerdeter.

Nach dem schnell nachgeschossenen Falling Autumn folgt dann die Ballade Storybook die am Album ein wenig an Elliott Smith zu XO-Zeiten erinnert und live ebenfalls in ganz neuem Gewand erstrahlt: Der novembernebelverhangene Song wird live von Leadgitarre und Keyboarder farbiger ausgemalt. Der verhaltene Schlagzeugpart zu einem beschwingteren umgestaltet. Und der Song – am Album geprägt von den dunkelnden Momenten in denen wenig gespielt wird – zeigt sich dadurch deutlich live-tauglicher.

Sänger Stanzel macht seine Erkältung noch zu schaffen, kann sich aber trotz angeschlagener Stimme vor allem bei den hohen Noten der Doppelgesangparts immer wieder auf den Rückhalt der helleren backing vocals von Gitarristen Hannes Wirth verlassen. Die für A Life, A Song, A Cigarette typische überbordene Energie bei den Auftritten anfangs also etwas geschwächt, kommt aber immer mehr in Fahrt. So spielt man sich durch die 60er-Hollies-Reminiszenz Marie vom Album Black Air sowie die neueren Take Me Back und Snow.

Zwischen den Songs wird typisch für ALASAC Konzerte heiter gewitzt, es gibt das volle Programm aus Humor in den Songpausen und Tiefgründigkeit in den Songs. So werden dem Konzertbesucher alle Seiten und Facetten des Lebens dargeboten.

Truth erstreckt sich nach anfänglichen stürmisch-schaukelnden Cello-Wellen in die ruhigen Weiten eines mondbeglänzten Meeres aus Moll-Gitarrenakkorden.

Und es folgt Song um Song aus dem schon vier Alben umfassenden Repertoire.

Stanzels Schaffen zeichnet sich durch immer auf neue Art eingängige Melodien und Harmonien aus: Near, Intercity 69, Desert Spoon Blues, Blindhearted– sie gehen ihm schlicht nicht aus. Er lässt seine Songs immer frei ihre Wege einschlagen, die Melodie wandert, oft über entlegenere Akkordpfade, dann doch immer wieder nach Hause.

Der Auftritt kulminiert im mit Ansage gegen die Regierung ansingenden Change und die Stimmung im übervollen Fluc ist am Sieden; das Publikum aus vollen Lungen jubelnd und johlend.

Auch Stanzels Erkältung tat dem Auftritt keinen Abbruch. Man mag gar meinen, dass gerade die Erfahrungen, Widrigkeiten und Zigaretten, die in seine Stimmbänder gegerbt sind, seine Stimme zu einem Dokument seiner Lebenserfahrungen machen – mit welcher er seinen Songs glaubhaft Ausdruck verleihen kann.

So kommt es zur Zugabe bestehend aus Gitarre-Cello-Duo-Stück Black Air und dem klassischen Live-Closer Tears, der ins traditionelle, fulminante Cello-Finale mündet, in dem Lauermann leidenschaftlich über sein Cello herfällt. Doch gänzlich erwürgen würde er sein Herzensinstrument wohl nie.

Der Auftritt von A Life, A Song, A Cigarette im Fluc war ein melodiöser Triumph über das Leben und dessen Widrigkeiten.

Die„Magie des Live-Spielens“ nennt Stanzel in Interviews oft als Hauptsinn hinter dem Musizieren. Einst im Simmeringer Schatten ersonnen – so war sie auch heute im Fluc zwischen all den vielen leuchtenden Augen wieder zu sehen, zu hören und zu spüren.

Zum Glück ist das letzte Lied noch nicht verklungen, die letzte Zigarette noch nicht verraucht.

Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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Diese 00er-Jahre-Affinität zeigt sich deutlich im Opener und Titeltrack Shoot You Down – wunderbar warmklingender britischer Indie-Rock. Anfangs werden abrupte Gitarrengeschütze aufgefahren, die Schlagzeugarbeit hält den losen Song zusammen und beschleunigt das Tempo. „You bought a ticket to my show / I saw you standing in first row / then you said goodbye and just went home”, wird im rasanten Refrain mehrstimmig zum Besten gegeben. Die zwei unterschiedlichen Songteile geben dem Song eine starke Dynamik. Der enttäuschte Groll schwingt fühlbar in der Stimme mit.

Produziert wurde die EP mit viel Liebe zum Detail. Huster und Klatscher und andere Effekte werden hier und da eingespielt und ergänzen das Songwriting gut. Die Rhythmusgitarrenschrammlerei ist oft in den Hintergrund gemischt während ein dicker Leadgitarrensound den Song trägt. Das lässt Napoleon Hairfashion etwas fokussierter klingen.

Die atmosphärische Vorabsingle 7 erinnert, speziell mit ihrer im  Hintergrund schlummernden, schlaftrunkenen Rhythmusgitarre, sehr stark an die Strokes in ihrer First Impressions of Earth-Ära und Songs wie Fear of Sleep. Die Leadgitarre sinkt hinab, der Bass drückt schwer auf die müden Augenlider, das Schlagzeug versucht das Lied wachzuhalten. Hier wird im Songwriting alles der Stimmung untergeordnet. Kevin Franz trifft mit dem Text das Gefühl der Musik und evoziert nächtliche Trinkgelage bei denen die Musik bis in den Morgen weiterspielt.

Dass heimische Indiebands, nicht die klassische und eine ganze Dekade prägende, sondern die spätere First Impressions of Earth-Ära der Strokes in ihre Musik einfließen lassen, kommt eher selten vor. Mit den frühen Arctic Monkeys verbunden, sowie mit Eigenem  garniert entsteht ein vielschichtiger, atmosphärischer Song. Wenngleich die Pre-Chorus und Refrainmelodie Single-untypisch nicht die eingängigste ist, sticht er mit seiner besonderen Stimmung aus der Masse an österreichischen Indie-Songs hervor.

Weiter geht es mit Cellphone Broken, in dem, zum Rhythmus des Schlagzeugintros, erst Bass und dann die Gitarren losmarschieren. Florian Pinters Leadgitarrensound blinkt vor sich hin wie ein Mobiltelefon.  Im melodiösen Refrain des Songs wird Pinters Gitarre von einer weiteren Leadgitarrenspur harmonisiert – Napoleon Hairfashion bieten eine zeitgenössische Symphonie für zwei Taschentelefone dar.

Napoleon Hairfashion streben auf ihrer Debüt EP nach ihrem eigenen Indie-Sound, der auf ihrer individuellen, sehr groovigen Bass und Schlagzeugarbeit fußt, was ihnen auch zum Großteil gelingt. Einzig die Stärke der Gitarrenriffs wäre in Shoot You Down und Cellphone Broken ausbaufähig, so hebt man sich in diesem Bereich nicht allzu markant von anderen Indie-Bands ab und die beiden Songs bleiben etwas farblos. Zündende Refrainmelodien gibt es erst in den letzten beiden Songs der EP, besonders im besten Song der EP – der Melodie-Offenbarung HUA.

Jener Song HUA ist geprägt von einer hellklingenden und verspielten Gitarre und einer wunderbar sinnenden, suchenden Gesangsmelodie – der klar stärksten der EP. Kevin Franz angenehmes Timbre erinnert ein wenig an jenes seines Namensvorfahrens, des Sängers Kevin Rowland der Dexys Midnight Runners aus den 80ern.

Der Song steigert sich in ein furioses Finale, in dem Pinter zum Gitarrensolo ansetzt und Schlagzeuger Adrian Pfeffer ganz im Stile des Arctic Monkeys-Drummers Matt Helders in Outros wie jenen zu Leave Before the Lights Come on oder A Certain Romance bestialisch-besessen auf sein Drumkit eintrommelt. Ein gelungenes Schaulaufen der Instrumente und ein gelungener Abschluss.

Die Shoot You Down EP der Feldherrn von Napoleon Hairfashion ist also gewissermaßen ein zweischneidiges Schwert. Napoleon Hairfashion haben mit ihrem warmklingenden Indierock zwar noch nicht den Thron erklommen und sich selbst zu Kaisern ernannt, aber einen ersten Warnschuss abgegeben und im Indierhythmus an den Palasttoren angeklopft. Wenn sie ihre soliden Indierock-Songs weiterhin geduldig zu Goldtalern schmieden, wird sich ihre Liedkunst wohl rasch im Volk herumsprechen.

[Release: 13.06.17]

Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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My Waterloo nennt sich die aktuelle Single des Wiener Indie Rock Trios zwar, doch Destroyed but not Defeated geben sich auch auf ihrem mittlerweile vierten Werk noch nicht geschlagen. Nach zwei Longplayern und einer EP erzählt der Geheimtipp der Wiener Indie-Szene auf der neuen Sieben-Song-EP „The World is Changing and So Must We“ aber erstmals von der Kunst des Verlierens.

The Art of Losing heißt der Opener und macht klar: Die 90er sind lebendiger denn je. Durch den Song ziehen sich elektrisierend-fuzzige Gitarrenlines wie Starkstrom durch eine Hochspannungsleitung, erbaut auf dem bewährten Pixies-Fundament aus erdigem Bass und grundsolider Schlagzeugarbeit.

Im Refrain bricht dann die laute Seite der Leise-Laut Dynamik der Pixies aus. „Come with us, we’ll teach you the art of losing“ wird über die eigene Erfolgslosigkeit selbstironisch skandiert.

Der Erfolg in der Szene und bei den eingefleischten Fans ist aber wieder garantiert. Auch die neue EP wurde auf Vinyl gepresst und wird wieder im neiderblassten Musikerfreundeskreis herumgereicht. Klar, das energiegeladene Bühnenbild am Plattencover, im Stile London Callings in tiefschwarz, lässt die Nadelpupillen eines jeden Schallplattenfanatikers darauf einrasten und das tiefschwarze Polyvinylchloridherz höher schlagen.

„Too old to die young“ – das ist das erklärte Motto und die Lebenseinstellung die die Band ihren stilsicher gegen den Strom schwimmenden Fans auf T-Shirts zur Schau tragen lässt. Too old to die young sind auch die stilsicher gegen den Strom schwimmenden Mittdreißiger von Destroyed but not Defeated selbst, sie widmeten ihren 90er-Musikhelden und dem damaligem Lebensgefühl schon auf dem zweiten Album Now for the Encore einen ganzen nostalgieschwelgenden Song „1995“.

„All those records I love them still / The Flaming Lips, Mike Watt and Built to Spill“ sang man dort, „Our life was just like in one of those great songs“; und man schloss: „I had the best time of my life“. Und auch auf dem neuen Werk The World is Changing lässt man diese Songs und das Jahrzehnt aufleben und feiert eine 90er Party.

Eingeladen sind diesmal die fett klingende Smashing Pumpkins Gitarre mit der Friday Night die anstrengende wöchentliche Arbeit abschüttelt, die düsteren Dissonanzen und der sinistere Flüstergesang eines verschlossenen Gastes von Slint der in sich gekehrt in einer abgeschiedenen Ecke vor sich hin murmelt (Do as you Please), eine Built to Spill-artige Rhythmussektion sowie perlende Built to Spill-Gitarren (ebenfalls Do as you Please) und die Laut Leise Dynamik der Pixies (The Art of Losing).

Gegen Ende der Party verirrt sich noch ein jüngerer Gast – der Trompeter von Beirut, der sich als Steakhouse Horn Section ausgibt – auf die Party und mischt die Stimmung auf. Zudem wird zu den poppigen Klängen der aktuellen Single My Waterloo geklatscht und mit dem poppigen Refrain von Friday Night bis ins Morgenlicht gefeiert. Die schweren, abrupten Geschütze die im Refrain von Do as you Please aufgefahren werden erinnern sogar stark an Black Sabbath. Man klingt also, abgesehen von My Waterloo und dem Friday Night-Refrain, abgebrühter und härter denn je.

Destroyed but not Defeated verstehen sich als kompakte Drei-Mann-Band und wollen mit möglichst wenigen Overdubs auskommen. Eine zweite Gitarre benötigen sie meist gar nicht. Auch nicht während des furiosen Gitarrensolos in Columbian Sweet Note, in dem Markus Reiters mit seiner Gitarre einsam aufheulend durch die finstere, karge Schattenwelt aus Bass und Schlagzeug reitet. Weniger ist hier – für die düstere Stimmungswelt des Albums – tatsächlich mehr. Und wenn der Song danach langt dreht die Band den Verzerrer einfach kaltherzig und gewaltsam hinauf, wie im überwältigenden Closer Seeking Heart Violence.

Und so bleiben Destroyed but not Defeated während sich die Welt verändert ihren Prinzipien treu, schmettern ihren schnörkellosen 90er Rock härter denn je dem Stammpublikum entgegen. „Still I enjoy every second of playing through our repertoire / while the empty walls are echoing with the sound of my guitar“ singt Lelo Brossmann im fuzzigen Gitarrengewitter eines weiteren Freitagabendkonzerts zu uns – und ja, wir hatten wieder einmal das beste Jahrzehnt unseres Lebens.

[Release: 27.05.16]

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Während es die Strokes bei ihrem beständigen Achtelnotenrhythmusgeschrammel beließen, gingen die Libertines so rustikal und energisch mit ihren Gitarren um wie The Jam Ikone Paul Weller mit seiner Rickenbacker-Gitarre. Sie erhoben es zu ihrem Stilmittel ihre Gitarren zwar zu beherrschen, aber immer bewusst rau und ungestüm mit ihnen umzugehen.

Um diese schier unbändigbare Energie und die von Dur-Tonarten geprägte Euphorie einzufangen ließ Produzent Mick Jones von Punk-Legenden The Clash die Band das Album großteils live einspielen. Die Platte macht schlicht Spaß zu hören. Es ist eine stark süchtig machende Euphorie. Lediglich das hymnische, versunkene Bandmanifest The Good Old Days steht der Hymnenhaftigkeit und Versunkenheit-halber in harmonisch Moll.

Das Gefühl einer ganzen musikheldenlosen Generation fingen die Libertines ein. Helden, die Pete Doherty in der Ode an die Heimatstadt – die London-romatisierende Hymne – Time for Heroes indirekt heraufbeschwört. Er schrieb das Lied während der Londoner May Day riots 2001 und stellt sein großes lyrisches Talent zur Schau „there’s fewer more distressing sights than that / of an englishman in a baseball cap / and we’ll die in the class we were born / well that’s a class of our own my love“ sticht heraus.

Barat, der erfahrenere, längerdienendere Musiker der beiden, schmiedete die anfangs poetische Akustikballade Dohertys zu einer echten, kraftvoll drängenden Indiehymne.

Die beiden Songwriter bedingten einander. Barat, der Doherty in jungen Jahren das Gitarrenspielen beibrachte, formte Doherty’s rohe Ideen und ergänzte sie mit seinen Gitarrenriffs und –soli im Stile der ganz frühen Kinks. Doherty hingegen beweist neben seinen Texten, auch sein stark ausgeprägtes Gespür für Melodien, wie in der beatlesque-melodiösen im 6/8 takt gezupften Ballade Radio America, die sich, zwischen zwei Akkorden pendelnd, in Tagträumen verliert. Und dem darauffolgenden Titeltrack Up the Bracket, in dem sich jeder Teil des Liedes ins Ohr wurmt. Dieses Gespür sollte noch in der grandiosen Strophenmelodie von Don’t Look Back into the Sun gipfeln. Die Libertines waren also mehr als die Summe ihrer Teile.

Auch die beiden Stimmen ergänzten sich wunderbar, ebenso gut wie Lennon und Mccartneys und fanden In Mitsing-Chören wie im Outro von Death on the Stairs ihre Bestimmung. Noch bevor die Gräben zwischen den Frontmännern sich vertieften und die flammende Euphorie von einer unterkühlten Melancholie erstickt wurde und mit zerrissenen Herzen gegeneinanderangesungen wurde.

Es war die Zeit als Doherty sein Anglistik-Studium wegen der Band abbricht und man mit wenig Geld erfolglos aber Song- und Gedichte-schreibend, rezitierend und vom Erfolg träumend in jeder noch so heruntergekommenen Bar und sogar Altenheimen spielt und mit diversen Drogen vorsichhinlebt und -dümpelt.

Das rumpelnde Death on the Stairs, das dieses Nichts-Tun und Nichts-Haben zelebriert, vertont dieses alte, frühe Gefühl am besten. Wenn Doherty’s noch unverrauchte, helle, runde und unschuldige Stimme den Beginn der zweiten Strophe nahtlos an Barat’s letzte Wörter des Refraingesangs anschließt, scheint alles möglich.

„We’ve got nothing no, we’ve got nothing at all“ singen sie im Outro. Und für den Moment gehörte ihnen die ganze Welt.

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