Old Man heißt die am achten April erschienene dritte Single des Wiener Gitarrenrock-Duos „Old Mrs Bates“ aus der kommenden EP „Nothing Makes Sense“, die im Mai erscheint. Im Sommer zieht es das Band-Duo dann in die Weiten Amerikas zum Aufnehmen neuer Songs.

„Weit“ und „Uferlos“ ist auch das Gefühl das die neue Single Old Man vermittelt. Wer Bandvergleiche suchen will, findet die in die Weite gestreckten Smashing Pumpkins Songs als möglichen musikalischen Einfluss/Referenzpunkt für Old Man und seine Uferlosigkeit und auch Rauschigkeit.

Aber Old Mrs. Bates schrauben natürlich an ihrem eigenen Signature-Sound, der Bandvergleichen widersteht bzw. haben ihn wohl schon gefunden. Dessen Grundrezept ist wieder die crispy verzerrte Gitarre, die sich Old Mrs Bates zu eigen machen. Rau und rauschig ist die Gitarre, was den unresistierbaren und unwiderstehlichen Reiz ausmacht. Hier wurde perfekt an den Reglern gedreht.

„Ausgereiftheit“ ist wohl das Wort das Old Mrs Bates Songs am besten beschreibt. Ein Edelstein, der akkurat geschliffen wurde und trotzdem die nötigen Kanten aufweist. Alles makellos exekutiert und dabei nichts an Seele, Charakter und Ausdruck und Spielfreude eingebüßt. Die Internationaligkeit des Sounds steht Old Mrs. Bates gut. Hier ist das Video zur Single:

Old Mrs Bates homepage

Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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Lonely Nights, Little

Die Nächte nach den umjubelten, rampenlichtdurchtränkten Gigs wurden dunkler, einsamer, erdrückender und mit ihnen auch der Sound der Band. Nach der On the Run EP 2013 packen Contact High auf das Debütalbum Lessons from Defeat nun Erfahrungen und Lektionen dieser langen Schaffensphase in Form von zehn gereiften Songs zwischen 90er Alternative-Rock, 2000er Garagerockrevival und Stoner-Rock.

Und mit Blood and Tears (Make for Good TV) eröffnet das Album gleich mit einer vollen Ladung energiegeladenem Stoner Rock im Stile Wolfmothers mit eindringlichem Gesang. Dass das Album im ehemaligen Stoner Rock Mekka Kalifornien von Gavin Lurssen gemastered wurde, der seine Meisterhände auch bei den Queens of the Stone Age im Spiel hat, hat dem Sound hörbar geholfen. Der Sound ist live wie auch auf Platte eine Wucht. Laute Gitarrensalven, drückende Basslines, wuchtig hämmernde Drumgrooves. Speziell die Orgelpassagen durchtönen und betäuben die Ohren wie ein berauschendes Konzert.

Songs wie die spätnächtlichen Low und Vienna, TX zeigen, dass die Band seit den ersten Veröffentlichungen der Lonely Nights, Little Lies Single und der On the Run EP eine enorme Entwicklung genommen hat. Mehr Melancholie, freiere und losere Songstrukturen, noch lebendigere Basslines und noch länger ausufernde, bluesige Gitarrensoli. Die Einfach- und Direktheit der früheren Garagenrocksongs ist Vergangenheit.

Das alte Schlagzeug aus Lonely Nights Little Lies wurde auseinandergenommen, in der Garagenecke verstaut und durch ein größeres, neues ersetzt. Man warf zwei Bandmitglieder durch das Garagentor hinaus, holte Ersatz. Man wuchs in die Instrumentenrollen hinein, man feilte am neuen, rockigeren Sound, man polierte die Garage auch etwas.

Und agiert nun weniger mit lockerem Dahingeschrammel und Verspieltheit sondern mit mehr Härte und mit einem größeren, gezielt eingesetzten Virtuosentum, das die Leadgitarrensaiten streckenweise an ihr Limit bringt.

Im botschaftsreichen History of Violence werden die Gitarren so zu musikalischen Waffen die mit einer virtuosen Spielwut für den Frieden kämpfen. Der Refrain von Dressed for Fun geht in hohem Leadgitarrengeheul auf und im Mittelteil von The Brood lassen quietschende Gitarrenbends gar den toten Pixies-Song Dead aufleben. Der zweite Gitarrist Markus Diepold übernimmt hier die lead vocals und schreit mit verzweifelter Kehle aus dem Gitarrenlärm hervor.

Auf anderen Songs des Albums ist Atmosphäre Trumpf. Im oben erwähnten Low werden in den Strophen atmosphärische Mollakkorde sanft in die Weiten der Nacht entlassen, sehr ähnlich wie es die Arctic Monkeys auf Favourite Worst Nightmare pflegten. Songs wie Vienna, TX verlieren sich im nächtlichen Nirgendwo und die Gitarren in Poor Man’s Fall from Grace schwellen sanft an und ab wie kühl dämmernde Grazer Straßenlichter im Rückspiegel.

Mit Lessons from Defeat (Album) haben Contact High zu ihrem Rocksound gefunden und das melodiöse, charmehafte, aber eben auch etwas austauschbare Indiegeschrammel hinter sich gelassen. Es ist ein wahres Fest der Instrumente, die sich hervorragend mit ihren Parts ergänzen, und songdienlicher Soli. Im epischen 5 Minuten Closer und Titeltrack Lessons from Defeat spielen Contact High vom Schlagzeugintro über variierte Strophenmelodie nach erstem Refrain, Basssolo, Gitarrensolo und gemeinsames Outro noch einmal ihre Songwriting-Stärken voll aus.

I wanna do nothing (for a living) ihre Bandhymne aus der On the Run EP schaffte es nicht aufs Album, Contact High brauchen keine Erinnerung mehr an ihre bevorzugte Lebensweise. „Rock n Roll should be my work“ hieß es in diesem Song – eine Lebenseinstellung die sie seit ihren Anfangstagen und auch auf der neuen Platte pflegen. Und Contact High haben für Lessons from Defeat gearbeitet. Ein Album für Spätnachtmelancholiker mit bluesigen Garagen.

[Release: 28.10.16]

https://soundcloud.com/contact_high

https://www.facebook.com/contacthighband/

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Während es die Strokes bei ihrem beständigen Achtelnotenrhythmusgeschrammel beließen, gingen die Libertines so rustikal und energisch mit ihren Gitarren um wie The Jam Ikone Paul Weller mit seiner Rickenbacker-Gitarre. Sie erhoben es zu ihrem Stilmittel ihre Gitarren zwar zu beherrschen, aber immer bewusst rau und ungestüm mit ihnen umzugehen.

Um diese schier unbändigbare Energie und die von Dur-Tonarten geprägte Euphorie einzufangen ließ Produzent Mick Jones von Punk-Legenden The Clash die Band das Album großteils live einspielen. Die Platte macht schlicht Spaß zu hören. Es ist eine stark süchtig machende Euphorie. Lediglich das hymnische, versunkene Bandmanifest The Good Old Days steht der Hymnenhaftigkeit und Versunkenheit-halber in harmonisch Moll.

Das Gefühl einer ganzen musikheldenlosen Generation fingen die Libertines ein. Helden, die Pete Doherty in der Ode an die Heimatstadt – die London-romatisierende Hymne – Time for Heroes indirekt heraufbeschwört. Er schrieb das Lied während der Londoner May Day riots 2001 und stellt sein großes lyrisches Talent zur Schau „there’s fewer more distressing sights than that / of an englishman in a baseball cap / and we’ll die in the class we were born / well that’s a class of our own my love“ sticht heraus.

Barat, der erfahrenere, längerdienendere Musiker der beiden, schmiedete die anfangs poetische Akustikballade Dohertys zu einer echten, kraftvoll drängenden Indiehymne.

Die beiden Songwriter bedingten einander. Barat, der Doherty in jungen Jahren das Gitarrenspielen beibrachte, formte Doherty’s rohe Ideen und ergänzte sie mit seinen Gitarrenriffs und –soli im Stile der ganz frühen Kinks. Doherty hingegen beweist neben seinen Texten, auch sein stark ausgeprägtes Gespür für Melodien, wie in der beatlesque-melodiösen im 6/8 takt gezupften Ballade Radio America, die sich, zwischen zwei Akkorden pendelnd, in Tagträumen verliert. Und dem darauffolgenden Titeltrack Up the Bracket, in dem sich jeder Teil des Liedes ins Ohr wurmt. Dieses Gespür sollte noch in der grandiosen Strophenmelodie von Don’t Look Back into the Sun gipfeln. Die Libertines waren also mehr als die Summe ihrer Teile.

Auch die beiden Stimmen ergänzten sich wunderbar, ebenso gut wie Lennon und Mccartneys und fanden In Mitsing-Chören wie im Outro von Death on the Stairs ihre Bestimmung. Noch bevor die Gräben zwischen den Frontmännern sich vertieften und die flammende Euphorie von einer unterkühlten Melancholie erstickt wurde und mit zerrissenen Herzen gegeneinanderangesungen wurde.

Es war die Zeit als Doherty sein Anglistik-Studium wegen der Band abbricht und man mit wenig Geld erfolglos aber Song- und Gedichte-schreibend, rezitierend und vom Erfolg träumend in jeder noch so heruntergekommenen Bar und sogar Altenheimen spielt und mit diversen Drogen vorsichhinlebt und -dümpelt.

Das rumpelnde Death on the Stairs, das dieses Nichts-Tun und Nichts-Haben zelebriert, vertont dieses alte, frühe Gefühl am besten. Wenn Doherty’s noch unverrauchte, helle, runde und unschuldige Stimme den Beginn der zweiten Strophe nahtlos an Barat’s letzte Wörter des Refraingesangs anschließt, scheint alles möglich.

„We’ve got nothing no, we’ve got nothing at all“ singen sie im Outro. Und für den Moment gehörte ihnen die ganze Welt.

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