Reino Glutberg präsentierte mit seiner Band am 11. Oktober sein stilistisch vielseitiges Album Muas da Wuascht Sein im Gürtellokal Kramladen.

Im Klangskizzerei Mail-Interview spricht er über seine Leidenschaft für den Blues, die Entstehung seines aktuellen Albums „Muas da Wuascht Sein“, seine Faszination und Begeisterung für die Gitarre und in welche Richtung seine neuen Songs gehen könnten.

Klangskizzerei: Was führte dich in deinem Leben zur Musik?

Reino Glutberg: Mit 15 Jahren habe ich durch eine Klassenkollegin erfahren, dass man keine Noten braucht, um Gitarre zu spielen. Dann habe ich mir die Tabs von Smoke on the Water vom Internet gecheckt und es mir selbst beigebracht.

Was sind die besten Erinnerungen an deine Psychedelic-Blues-Rock-Doors-Zeppelin Jugendband?

Es war einfach eine spannende Zeit, weil ich mit zwei Freunden das Musizieren erlernen durfte. Mit unseren Vorbildern sind wir in der damaligen burgenländischen Szene, die zu dieser Zeit aus Pop-Punk und Post-Core bestand, stark aufgefallen. Was uns unter anderem interessant machte, war unser Mut zur Improvisation. Das sorgte für so manchen Chaos Gig, aber auch für großartige Live-Momente.

Auf deinem mittlerweile zweiten Solo-Album – der stilistisch sehr vielseitigen Platte „Muas da Wuascht sein“ – findet sich u.a. eine Rückkehr zum Blues – was fasziniert und inspiriert dich am Blues?

Da meine Lieblingsmusik in meiner Jugend der Blues-inspirierte Rock der späten 60s und frühen 70s war, gelang diese Musik irgendwie in meine DNA. Was mich am meisten fasziniert, ist die Kraft, aber auch die Zerbrechlichkeit dieser Musik. Es ist ein Genre, das ohne Auto-tune und Quantisierung auskommt, bzw. würde es mit diesen Hilfsmitteln in sich zusammenfallen. Deswegen mag ich es. Je ehrlicher, desto besser.

Welche sind deine favourite Blues Musiker und warum?

Spontan fallen mir Son House, Nick Cave und JJ.Cale ein.

Son House ist nicht der beste Gitarrist und auch nicht der beste Sänger der Welt, aber die Art, wie er den Blues spielt, inspiriert mich. Egal ob mit Resonator-Gitarre oder mit klatschenden Händen, in seinen Performances liegt etwas Magisches.

Auch wenn Nick Cave für etwas Anderes bekannt ist, hat er für mich eines der interessantesten Blues Album ever recorded. Auf „The First Born Is Dead“ benutzt er kein einziges Mal den 12 Bar-blues oder bluesige Rhythmen und trotzdem fühlt man durch und durch den Blues auf eine gruselige Art.

JJ Cale ist mein Lieblings Leadgitarrist. Seine Art zu spielen ist so ikonisch und von seiner Laid Back Einstellung habe ich mir mittlerweile eine Scheibe abgeschnitten.

Wie entstand die Glam-Idee für den Opener Hotel Mama?

Ich bin ein riesen Glam-Rock Fan der 70s. Immer wieder komme ich zu T-Rex, Roxy Music oder David Bowie zurück. Auf Youtube habe ich ein Interview von Mick Ronson gefunden, wo er mit einem Wahwah Pedal den Sound vom Ziggy Stardust Album demonstriert. Das wollte ich dann einfach ausprobieren.

Wie haben Gastmusiker Martin Rupp und Lukas Friesenbichler, der auch Produzent des Albums ist, deine Ideen ergänzt?

Martin begleitet mich schon seit Langem auf der Bühne und ich wollte ihn unbedingt mal bei ein paar Songs mitwirken lassen. Es war mir relativ bald klar, welche Songs zu ihm passen könnten. Er hat mit seinem Gitarrenspiel die zwei Nummern maßgeblich gefärbt.

Lukas hat nicht nur auf Tontechnischer Ebene viel Input gegeben, sondern auch beim Recorden selbst. Oft habe ich die Songs 4-5 Mal eingespielt und er hat dafür gesorgt, dass ich mich auf die richtigen Dinge konzentriere. Oder er hat mich mit seinem Feedback in eine Richtung gelenkt, wie z.B.: „Dritter Take woa super, owa jetzt spiels mal todtraurig.“

In Summerregn und YOLBE erklingt ein moderner, neuartiger auch ein bisschen Richtung Americana gehender Sound, finde ich. Elektrisches und Organisch-Akustisches trifft aufeinander, verbunden mit nostalgischen Texten. Inwieweit habt ihr hier bewusst den Kontrast „modern – nostalgisch“ gesucht?

Geplant war es nicht. Im Grunde wollte ich den Song ein wenig an Velvet Underground anlehnen. Ich wusste relativ schnell, dass die Art wie Martin Gitarre spielt sehr gut zu dem Song und dem Text passen könnte. Schließlich hat er sein Signature Chorus Pedal eingeschaltet und der „moderne“ Sound war da.

Wie sehr habt ihr bei der Erweiterung deines Sounds mit Schlagzeug experimentiert und warum habt ihr es letztlich weg gelassen?

Fast jeden Song habe ich mit Gitarre und Stompbox live eingespielt und gesungen und das Ganze ohne Metronom. Das heißt das Overdubben von Drums wäre nicht so leicht gewesen. Außerdem hatte ich keine wirkliche Lust auf Drums und wollte dieses Album mit meinem Stomp-Rhythmus umsetzen. Wenn ich das Album heute recorden müsste, würde ich alle Songs mit Drums umsetzen.

Wie würdest du textlich und thematisch diese Album mit deinem bisherigen Schaffen vergleichen?

Ein Thema, das immer mitschwingt, ist das des „Weitermachen“ bzw. des „Weiterziehens“. Was auf dem neuen Album passiert, was ich als spannend empfand, ist, dass einerseits das „Hinter sich lassen“, aber auch die Nostalgie aufeinander treffen. Es werden auch düstere pessimistische Perspektiven besungen, aber auch schöne Erinnerungen verarbeitet. Dieses Gegensätzliche hat mir sehr gut gefallen. Abgesehen davon könnte man es als Übergangsalbum sehen, um von der Nostalgie zu etwas eher Düsterem zu gelangen.

„Klampfensüchtler“ nanntest du dich einem facebook post – was ist es, das dich am Instrument Gitarre so sehr inspiriert?

Diese sechs Saiten übertragen durch deine beiden Hände eine Energie und Emotion, die ich so bei keinem anderen Instrument finde. Für mich ist die Gitarre wie ein leeres Blatt mit Stift. Auf der einen Seite ist es ein Songwriting Tool und auf der anderen ein Ausdrucksmittel, mit dem man einen unglaublichen Lärm erzeugen kann. Ich fühle mich mittlerweile einfach zuhause auf diesem Instrument.

Neuerdings spieltest du in einer facebook story auch Keyboard. Welche Rolle spielt das Keyboard in deinem Schaffensprozess?

Das Keyboard ist da, um mich daran zu erinnern, wie leiwand die Gitarre ist. Ich nutze gerne Orgelsounds oder Keys, um Leadspuren einzuspielen, aber meine Skills reichen leider nicht, um einen ganzen Song mit Akkorden zu begleiten. Auch das Schreiben funktioniert noch nicht wirklich, aber beim Produzieren streu ich es immer wieder gerne rein.

Was schätzt du an Mac Demarco, Kurt Vile, die du als Einfluss auf deine Single Im Urlaub hob i Zeit anführst?

Für mich sind die Beiden Künstler, die Musik für Klampfenliebhaber machen. Beide Musiker schaffen es, mit Gitarrensounds in Nostalgie zu schwelgen. Außerdem haben sie einen tollen Humor, den ich mag.

In welche Richtung entwickelt sich deine neuen, noch unveröffentlichten Songs?

Es schwirren momentan viele Visionen durch meinen Kopf. Ob es nach Italo Horror Soundtrack, Exploitation Kino oder doch nach intimen Akustikfolk klingen wird, kann ich noch nicht sagen. Aber was bleibt, sind die Geschichten und der morbide Humor in den Texten.

Was ist das Schönste am Musikmachen?

Das Schönste ist, dass es nie langweilig wird. Man lernt immer Neues dazu. Die Möglichkeiten, sich mit einem Instrument, einen Song oder einem Konzept zu spielen, wirken oft grenzenlos. Außerdem ist es eine Sprache, die einen anregt mit anderen zu kommunizieren.

Danke für das Interview!

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Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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In einer humorigen, rauschigen Oktobernacht am Freitag, den 11.10., präsentierte Reino Glutberg sein aktuelles und vielseitiges Album „Muas da Wuascht Sein“ live im Wiener Kramladen. Support machte Johnny Cola aus St. Pölten – ein Alternative/Austropop Künstler.

Johnny Cola brilliert als Opener

Auf der lichten Bühne des dunklen Saales brillierte Johnny Cola solo mit Stimme und Gitarre. In seinen Liedern ist die Gitarre hier und da spielerisch, aber bildet meist ein solides Fundament, welches die glänzend geschriebenen Songs in den Mittelpunkt rückt.

Zwei dieser von Johnny Cola geschriebenen Songs waren 1000 Schmetterling und Fernweh. Sie wurden von Reino Glutberg produziert.

Das Besondere an den Songs ist, wie die Melodien – auf ganz eigene Art – über den Akkorden schweben. Das liegt sicher an der seidenen Stimme Johnny Colas, aber natürlich auch an der Wahl der Melodietöne, dem gekonnten Songwriting. Bei 1000 Schmetterling stimmte das Publikum in den Mitsing-Schlusschor ein.

Seine Lieder atmen eine Leichtigkeit. Zum Schluss spielte er Fernweh, das Lied über die Flucht aus der Stadt „die nix mehr für mi übrig hat“. Seine Gitarre hatte viele Geschichten zu erzählen und Johnny Cola in seinen Songs ebenfalls. Johnny Cola hat sich spürbar mit seinem Herzen der Musik verschrieben.

Reino Glutberg Band

Lauschende Silhouetten huschten wie Gespenster in das Dunkel des Saals und der bühnenlichtumflossene Reino Glutberg und seine Band eröffneten den Abend mit der Glam-Nummer Hotel Mama, dem Opener des aktuellen Albums.

Live fehlt natürlich die zweite Gitarre, welche am Album den Glam-Part spielt, daher wird jener Glam-Part auf das Keyboard von Fabian Lehner uminstrumentiert. Fabian Lehner sitzt links hinter dem Keyboard und agiert im Laufe des Abends immer passend, ab und zu auch mit Ausflügen ins Virtuose.

Martin Rupp (u.a. bekannt von Jansky) spielt Bass im Hintergrund und baut ein bassendes Fundament. Rechts sitzt Lukas Friesenbichler, Produzent des Albums und geht in seinen Drum-Grooves auf. Er hat einen lockeren, unaufgeregten Spielstil der gut zur Musik der Band passt.

Das ursprüngliche Solo-Blues-Projekt Glutbergs ist also nach zwei EPs und zwei Alben zu einer vierköpfigen Band gewachsen.

Highlights, Songtexte und Changieren zwischen den Stilen 

BBBBarbara ist ein erstes Highlight. Das melancholische Summaregn folgt. Und die Single-Auskoppelung PONR. Die Albumversion klingt nach Gitarren-Schichtarbeit. Live überzeugt sie auch. Sie wird spontan „ohne Delay-Effekt“ gespielt. „Daham is angeblich durt wo der Kühlschrank steht“, singt Glutberg im Refrain.

Die Songs werden öfters von Glutbergs kurzen Erzählungen eingeleitet. Für Erheiterung sorgt die Erklärung des Songtitels YOLBE – laut Glutberg: „You only live bis Elternsprechtag“. Sondkistenblues erzählt von einer Kindheitsbegegnung mit einem Kind, das „den Sand in die Höhe wirft, und ausruft: „I bin reich, I bin reich„“, meint Glutberg. Dies beweist wohl – manchmal ist man reich und am Sand zugleich. Der Song ist hörbar inspiriert von Icky Thump der White Stripes. Glutberg kramt sein Bottleneck heraus. Ein weiteres Blues-Stück ist das nächtige Herr Schüttler, welches an 60er Jahre Blues-Bands erinnert.

Dann folgt ein melancholischer Teil u.a. mit Lodestroßn, Novembergrob als Solo-Ballade, sowie eine neue, unreleaste Nummer über den Zentralfriedhof und beide Versionen von Teensharkslasher, die in den Rock’nRoll übergehen.

Finale mit Freilondstroß-Nummern

Abschließend spielt Glutberg zwei Freilondstroß Nummern: Lederjockn. Und Countryrockstar – der Country-Schunkler mit Martin Rupps quintenspringendem Bass als geeignete Schlussnummer.

Glutberg changiert an diesem Abend zwischen den Stilen und vermengt sie auch hier und da zu seinem ganz eigenen Sound. Glam, Rock n Roll, Blues, Folk Rock, Country usw. Traten zwischen den Songs kleine Ungereimtheiten auf, wurden diese mit Humor kaschiert.

Es war alles echt und authentisch, mit Ecken und Kanten – genau dies ist, was seine Songs – und auch den Auftritt – zu Kunst macht. Denn seelenlose Perfektion anzustreben ist ohnehin sinnlos. „Plusquamperfekt“ geht vielleicht – aber in Wahrheit bewies dieser Abend, dass die um Glutberg formierte Band eine künstlerisch vielversprechende Zukunft vor sich hat.

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Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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Über den Text meint Glutberg:

„Ein nachdenkliches Lied über die Freuden und Anstrengungen, die einen Urlaub zum einmaligen Erlebnis machen. Von den unendlichen Stunden im Stau bis hin zum lang ersehnten Strandaufenthalt, wo man endlich seine Seele baumeln lassen kann, wird alles besungen. Nach zahlreichen Cocktails im Blut und Unmengen an Essen im Magen sinniert man über die Zeit, die einem zur Verfügung steht, die man sonst vielleicht nicht hat. Eine Hymne für alle dekadenten Urlauber die trotz „All Inclusive“ Aufenthalt im Luxus Hotel nicht abschalten können.

Musikalisch meint Glutberg zum neuen Sound:

„Die E-Gitarre und Stimme mit schrägen Effekten und Drum-Machine Beat gemischt, sorgen für einen LoFi artigen Sound, der unter anderem leicht an MacDemarco oder Kurt Vile erinnert, was definitiv neu in Reino Glutbergs Repertoire ist. Diesmal treiben keine bluesigen Stomp-Beats den Song voran, sondern Bossa Nova ähnliche Rhythmen mit digitalen Bongos.“

Musikalisch ist, finde ich, eine Weiterentwicklung zu spüren: neue träumerische, weichere Akkorde und Effekte versetzen in Urlaubsstimmung.

Die Gesangsmelodien strecken sich in die Länge, wie die gebräunten Beine auf das Gitter der Hotel-Balkons, welcher ins Licht der untergehenden Sonne ragt.

Eigentlich setzt Glutberg den Urlaub perfekt um, und wird mit der Reise durch die Songabschnitte dem Reise-Thema des Songs gerecht. Beginnend mit hohen Noten, um die Aufmerksamkeit des Hörers zu sichern, biegt der Song lieber wieder hinunter zur besungenen Promenade ab und reist weiter bis zur „Im Urlaub hob i Zeit für des“ – Coda.

Schließlich sind nicht alle Urlaube gleich und auch nicht alle Song(-strukturen) gleich.

Als Song an sich könnte er vielleicht mehr auf einen sich abhebenden Refrain hinkomponiert sein.

Am Ende bliebe nur die Frage: Wäre es dann noch derselbe Urlaub?

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Stefan Westacott

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Die einzige österreichische Platte, die ich kenne, die in diese Richtung geht, ist das Dialekt-Cover-Album „Verwandler“ mit Lou Reeds Transformer Songs und Velvet Underground Songs dialektgecovert von der Band „Die Buben im Pelz“.

Der Sound auf Glutbergs Hotel Mama klingt ein wenig als hätte Bowie Gitarrist Mick Ronson seinen Spiders from Mars Sound einer Stealers Wheel Nummer geliehen. Das Klatschen des Songs Stuck in the Middle with you von Stealers Wheel inklusive.

Thematisch und inhaltlich meint Reino Glutberg zu seiner Single – „Hotel Mama ist eine Lobeshymne auf das fürsorgliche Elternhaus in dem sich so manche Menschen bis ins hohe Alter verwöhnen lassen. Die Geschichte einer Generation die keine Eile hat bei der Suche nach dem Eigenheim.“

Das Album „Muas da Wuascht sein“ von Reino Glutberg erscheint am 23. Februar auf HASN Music.

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Update 11.2.2024: Die Buben im Pelz eingefügt

Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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PONR:

MIt dem Song PONR erinnert der burgenländische Liedermacher an den inneren Schweinehund, der einen daran hindert, die eigenen Grenzen zu überschreiten und besingt die Ungewissheit des Lebens. Die Westerngitarre macht Platz für die hallige Stromgitarre, die für Krach und Emotion sorgt. „Garagen-Folk-Rock“ nennt sich diese Genre-Neukreation. Vielschichtig produziert.

BBBBarbara:

BBBBarbara erzählt von einer Heldin aus der Kindheit. Die Nostalgie und Erinnerungen an die Jugend am Land schwingen wie in Glutbergs bisherigem Schaffen stark mit.

Das lautmalerisch betitelte „BBBBarbara“ hat mehr Schwung. Hat richtig Suchtpotential. Alles was eine gute Single braucht. Der Refrain hat die perfekte Melodiemotiv-Variations-Repetitions-Abfolge. Die hallige Lead-Gitarre im Intro und den Zwischenteilen orientiert sich an der Gesangsmelodie. Ein echter Hit! Ein Pop-Song. Knapp über der 3-Minuten Marke. Ich hör ihn immer mindestens zwei Mal nacheinander.

Das Album zu der Doppelsingle PONR / BBBBarbara erscheint Beginn 2024 auf HASN Music.

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Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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„Mit deinem Beisl-Blues und deim bierigen Groove bist unterwegs weil du suchst und du suchst“ singt Reino Glutberg selbstreferenzierend im Opener Treibhuiz seines Debüt Albums „Freilondstroß“ auf dem Label HASN Music, mit dem er sich vom Blues freispielt und den Folk mit leichten Country Vibes findet.

Freilondstroß ist eine Art Konzeptalbum auf dem Glutberg den Hörer per Autostopp mitnimmt. Viele Geschichten entstehen hinterm Lenkrad, so Glutberg, weil es am Land keine öffentlichen Verkehrsmittel gibt. Auf einer stimmungsvollen Album-Fahrt werden Folk und ein wenig Country im burgenländischen Dialekt elegant balanciert. Gelöst klingen die Lieder; eine gelebte Gelassenheit, die gelingt.

Dass diese Kunst so gut funktioniert, liegt in erster Linie daran, dass es eine Kunst ist, der man glaubt, weil sie Wurzeln hat, durch die sie aufblühen kann. Weil sie im burgenländischen Dialekt und nicht in der Fremdsprache geschrieben wird. Hört man Glutberg von seinem jugendlichen Außenseitersein singen und seine Gitarrensaiten erklingen, hört man die Junikäfer surren – so wird man stadtflüchtig und entflieht den grauen, neigenden Häuserwänden hinaus auf die lichten Weiten der Freilondstroß.

Der Folk findet sich in den Anschlagtechniken, aber auch im bannenden Fingerpicking von Junikäfer, das vor allem live seine Magie entfaltet; der Country Einfluss im Croonen des Mia gheat nix Refrains und Harmoniegesang von Jennifer Halper, und im quintenspringenden Bass in Countryrockstar. Die konkreteste Veränderung vom Blues zum Country manifestiert sich darin, dass das Bottleneck vom Beisl-Blues zum lap-steel-Ersatz für die Country Vibes und Glissandi umfunktioniert wird.

Die in Interviews von Glutberg genannten Einflüsse sind Townes van Zandt. J.J. Cale und Ernst Molden, erstere wohl mit dem Balancieren von Folk und Country-Einflüssen, letzterer, Ernst Molden, vor allem mit der wohldosiert auf die Akkorde gesprenkelten zweiten Gitarre. Manche eventuelle Themen-Parallelen und lyrische Analogien zum „schdrom“ Album Moldens kann man in ein, zwei Liedern herauslesen wie Treibhuiz und Junikäfer, die vom schdrom Album inspiriert sein könnten – wissen wird es nur Glutberg selbst. Die Songtexte nehmen oft spannende Wendungen, wenn Glutberg nach drei Minuten Fahrt in Fürn oidn Freind in die Rolle des oidn Freunds schlüpft und singt:  „Reino[…]Danke fürs Mitnehmen / die fünf tschick di mog i da schenken„. Oder in I bin net do, mit der letzten handlungswendenden Zeile „den briaf legst weg / weil olles was drin steht hob i net so gmeint“. Das zeigt sehr schön die Wichtigkeit des Schlusses eines Lieds und was diese für einen Unterschied machen kann.

Die Produktion ist wieder gelungen, verantwortlich zeichnet Dominik Hofstädter. Man hört das Schnarren der Gitarrensaiten, das Rutschen der Finger am Griffbrett, alles scheint zu atmen, zu leben, die Details der einzelnen Instrumente blitzen immer wieder durch. Kein Streben nach fehlerloser Seelenlosigkeit, sondern kleine angenehme Unperfektheiten. Zur Albummitte wird Abwechslung in die Arrangements gebracht: Bei I bin net do durch Erweiterung mit dem Album-Debüt des überaus versierten Gitarristen Asel, bei Junikäfer durch Reduzierung auf Akustikgitarre und bei Countryrockstar durch nochmalige Erweiterung mit Martin Rupp am Bass. Ein weiterer Grund, dass die Platte so gut funktioniert ist, dass Glutberg eine Stimme mit hohem Wiedererkennungswert hat, die er immer situationsadäquat einzusetzen weiß – sie trägt die Lieder und verschafft ihnen Ausdrucksstärke.

Die Höhepunkte der Platte sind gewiss das Lied Mir gheat nix das unter allen Liedern von der Komposition heraussticht durch sich perfekt ergänzende Strophen und Refrains, die beide gleichermaßen eingängig sind – samt Croonen (dem magischsten Moment der Platte), Auch das Friedenfinden mit den Umständen in der Welt in der allerletzten Strophenzeile in Mia gheat nix ist ein wunderschöner Moment: „man kriegt nix g’schenkt im Lebn […]  / stimmt net ganz letztens hams ma n Kuli gebn / oba I hob sie trotzdem net gwählt“, sowie das hochemotionale I bin net do und natürlich die Single Lederjackn, den Opener Treibhuiz, das im Modern Lovers Roadrunner-Feeling nach vorn preschende Caroline, sowie das albumsstimmung-definierende Storytelling-Stück Fürn oidn Freind.

Freilondstroß ist eine Platte die viel zu erzählen hat, aber eben auch die kurzen eingängigen Melodie-Phrasen im Refrain bietet, die für gute eingängige Lieder notwendig sind. Auch einige Ohrwürmer dabei, öfters auch von den Strophenmelodien. Auch ein, zwei Lieder wie Junikäfer die das Album mit anderen Facetten vervollständigen und Abwechslung reinbringen, die eine längere Fahrt nun einmal braucht und eine gute Ausgewogenheit der Liedauslese sicherstellen. 36 Minuten und 17 Sekunden dauert die Fahrt. Man lauscht gern über die volle Länge – zu unterhaltsam und sinnend sind die elf Geschichten auf der Freilondstroß.

Stefan Westacott

Gitarrenmusik und Konzertskizzen

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„Still“ ist hier kaum etwas. Stille Lost lebt in, von und durch seine Unmittelbarkeit. Auch die Spielfreude wurde auf der Platte spürbar eingefangen. Die Ideen klingen wie aus dem Moment, dem Impuls und dem Jammen geboren. Die Stille geht für dreizehn Minuten verloren und weicht einem wohlig-wattigen Gitarren-Lärm.

Warum die Stille Lost EP als Ganzes funktioniert

Dass diese 5-Song-EP als Ganzes so gut funktioniert, liegt zum Einen an der Vielfalt der Gitarrensounds: das absteigende Surf-Intro und die Surf-Sounds in Surf Vampir; der schwebende Gitarrensound in Schwerelos; die herrlichsten Fuzz-Sounds in Schwerelos und Candy, die live wohl einfach famos klingen müssen; das offen und klar perlende, und damit in White Stripes Manier einen ruhig-melodiösen Kontrast  bildende, Candy. Das tiefenschillernde Am Fluss.

Zum anderen liegt es an den Dynamiken. Am wirkmächtigsten sind sie in Schwerelos und im Gitarre-und-Schlagzeug crescendo gegen Ende von Am Fluss. Ein Schlagzeug-Intro leitet Candy ein. Und ein peitschender 00er-Indie-typischer Schlagzeug Beat im Stile der Libertines, Sugarplum Fairy oder Jack Peñate unterfüttert den Song Zu Zweit.

Die Texte fallen positiv auf, da sie weit voneinander entfernte Assoziationen und kontrastierende Bilder kollidieren lassen, Schönes und Grässliches, als besonders poetisch sticht Am Fluss heraus.

Die Lieder auf Stille Lost sind rasant, alle maximal drei Minuten lang, lassen den Hörer in der Stille nach dem Sturm verloren weilen und fördern so das Verlangen nach weiteren Hörgängen. So wird in Surf Vampir der letzte und vom Hörer erwartete Refrain schlicht unter hohem Gelächter – welches eine Anspielung auf den Song „Wipe Out“ der Surfaris ist, der davor auch textlich zitiert wird – vorzeitig abgebrochen. Genau das lässt den Hörer mehr wollen. Aus diesem Grund ist man mit dieser EP oft länger als die 13 Minuten beschäftigt, da man den Repeat-Knopf drückt – ein Entschluss, den man immer wieder gerne fuzzt!

[Hinweis: Einleitung am 18.07.2021 13:34 geändert, da die EP in den Studio Solaris aufgenommen wurde]

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Stefan Westacott

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